Crítica - Tudo pode dar certo 

 Woody Allen surpreende com comédia otimista 

Em 07 de Setembro/ 2010 - Por Hilda Lopes Pontes

Woody Allen é reconhecido mundialmente pelos seus longas irônicos, ácidos e, geralmente, sempre com seu álter ego em uma das personagens. Muitas dessas características estão em Tudo pode dar certo (que possui o título original bem mais significante, Whatever works). Porém o que mais surpreende é o tom otimista do filme, o espectador espera aquele momento dos filmes de Allen em que algo dará extremamente errado, e que é uma das características mais interessantes dos filmes do diretor, mas, pelo contrário tudo flui normalmente e o ritmo se arrasta.

Larry David é Boris Yellnikoff, ex-professor da Universidade de Columbia, considerado gênio, mas que depois de um divórcio e uma tentativa de suicídio, dá aulas de xadrez e passa a maior parte do seu tempo desmerecendo as qualidades humanas e se considerando o único capaz de entendê-las.  Um dia, voltando para casa, ouve uma garota implorando por ajuda e comida. Então, Boris conhece Melodie St. Ann Celestine. Inicialmente, ele a deixa ficar por não pensar em outra solução para a menina que fugiu de casa, mas, aos poucos, percebe-se apaixonado.

O roteiro é preciso e colocar Boris para conversar com o público, sabendo que está sendo observado, é uma ótima sacada que deixa certos momentos e piadas ainda mais cômicos e dinâmicos. A personagem é muito bem construída, tanto por David, quanto por Allen. Só o fato de Yellnikoff cantar "parabéns pra você" toda vez que lava as mãos já deixa claro o quanto a personagem vale a pena e é neurótica (não podia deixar de ser). Alias, a mesma indagação do filme O Dorminhoco (1973) é feita.  A questão: porque as comidas ruins são as que são saudáveis? Será que isso realmente é verdade?

Os outros atores também se destacam. Eva Rachel Wood, que normalmente faz papéis de mulheres fortes ou vilãs, consegue trazer um açúcar, uma doçura para Melodie. Também no elenco, Patrícia Clarkson, que interpreta a mãe de Rachel Wood. A transição de comportamento dela é marcante e muito bem construída.

Tudo pode dar certo agrada e faz rir, tira a saudade dos filmes de Allen, mas não pode estar na lista dos melhores do diretor, como Vicky Cristina Barcelona ou Manhathan. Não tem a constância e o  ritmo dos filmes dele, nem traz algo inovador e diferente de tudo que o cineasta já fez.

Overdose de testosterona

Em 19 de Agosto/ 2010 - Por Leonardo Cruz

Imagine uma sala de cinema cheia de testosterona espalhada em todos as cadeiras bradando os feitos de Silvester Stallone. Pensou? Pois bem. Essa será uma cena que você levará acompanhada com as lembraças do filme Os Mercenários (The Expendables, 2010), com a própria direção do Stallone, já imaginou quanta pancadaria e frases absurdamente clichê?

O ícone dos filmes de ação traz aqui um elenco pesado no que se diz a arte de fazer coisas explodirem e banho de sangue: Jason Statham de Carga Explosiva, Jet Li de Cão de Briga, Dolph Lundgren de Soldado Universal, etc. Já da pra ter uma leve noção da explosão de testosterona na tela.

Uma coisa interessante é ver a brasileira Giselle Itié, como a "dama em perigo", super poliglota, misturando o seus conhecimentos na lingua americana e também na latina.

A história do filme é simples e nada inovadora. Um grupo de mercenários (ohhhh) é contratado por um Sr. Church (Bruce Willis fazendo pontinha) para ir em um local na América Latina que foi devastasta pelo poder político, a filha rebelde (Itié) recebe o grupo, tentando trazer a paz de volta à sua terra. Mas essa equipe terá que lutar não somente com o ditador, mas também com um ex agente da CIA, que é o cérebro do caos que acontece naquela área. De resto aí é pancadaria, explosões e sangue.

O filme tonrou-se mais conhecido ainda por ter suas gravações realizadas no Brasil, local de quem o Stallone disse que "adorávamos que explodissem as coisas por aqui, e que em seguida entregava-mos macacos como presentes". Esse epísodio resultou na ira dos brasileiros, tentando organizar um boicote, pelo visto isso tornou-se real já que até a data atual sua estréia emplacou o 4º lugar.  

 Plano de fuga da sala de projeção

Em 18 de Agosto/2010 - Por Leonardo Cruz

Vou ser bastante honesto com vocês, demorei propositalmente para descrever uma crítica sobre esse filme, a razão disso é não ter nada para escrever sobre, pois 400 contra 1 de Caco Souza, dá um nó tão forte na garganta que é insuportável apenas pensar, imagina escrever.

Estreante em longas metragem Souza traz uma história absurdamente sem graça, e "sem sal". Muitos, irão pensando ver um filme estilo Tropa de Elite, chocante e espetacular, mas não, enganam-se com uma "comédia sangrenta" (porque definitivamente aquilo não é drama, nem policial, nem coisa nenhuma) que confunde em alguns momentos um vai e volta de passagem de tempo da história baseada no Comando Vermelho.

E toma tempo pra lá, e volta no tempo aqui, e muda de novo pra acolá e volta na primeira cena... e essa mudança absurda de cenas apresentam passagens nada significativas para o enredo... é so pra "encher linguiça mesmo".

Willian (Daniel de Oliveira) é um lider de um comando que assalta bancos, que tenta apresentar ao poder, suas propostas e direitos, fazendo o possível e o impossível para conseguir a liberdade, e junto com seu grupo, tenta fazer isso dar certo, pronto. É isso aí, sendo curto e grosso.

As atuações estão fracas, em termos gerais, Daniel de Oliveira é nada com nada, Daniela Escobar é apenas mais uma garota amante de bandido, e Fabrício Boliveira, Jefferson Brasil, Jonathan Azevedo e cia, apenas servem para forçar o espectador a soltar risos durante a trama. Acredito que quem melhor se destaca é a Branca Messina, que interpreta uma advogada, que tenta safar o grupo de sofrer maior quantidade de males que merecem.

Hollywood traz mais uma de suas comédias românticas que só de assistir ao trailer dá para saber o final do filme.
 

 A verdade é nua e crua mesmo. É muito difícil o cinema americano acertar quando o assunto são comédias românticas. O problema não está só no fato de existir uma fórmula que é repetida sempre, mas as narrativas também são insossas e enfadonhas. Ainda por cima, os mais desavisados podem achar que as ideias desses longas são originais e divertidas, mas já foram utilizadas muito antes. O filme mais antingo que consigo lembrar que já tinha essa fórmula ( e pode haver algum anterior a esse que eu desconheça) é Aconteceu Naquela Noite de 1934. As situações, as piadas, o final tudo muito parecido com o que se vê hoje.

Essa realidade se encaixa perfeitamente A Verdade Nua e Crua (2009). O filme conta a história de Abby Richter (Katherine Heigl, Ligeiramente Grávidos), uma mulher que é bem sucedida no emprego, porém não consegue manter um relacionamento amoroso com ninguém por ser muito controladora e tão romântica que acredita que encontrará um amor perfeito. Ela trabalha num programa de tv que começa a ter índices baixos de audiência. Por isso, o chefe dela contrata Mike Chadway (Gerad Butler, 300), um grosseirão machista que fará parte do programa "A Verdade Nua e Crua", fazendo comentários sobre o que realmente os homens gostam nas mulheres. Com isso, Abby decide utilizar as dicas de Mike, para conquistar o vizinho dela. Contudo, o rumo dessa relação toma caminhos inesperados (para a personagem, porque para o público não há nada de surpreendente).

Além de óbvio, para piorar, a dupla protagonista não tem química nem carisma algum e não são bons atores. Heigl permanece na zona de conforto e faz uma personagem igual a de todos os seus longas anteriores. Na verdade, Katherine Heigl só tem duas qualidades: carisma e beleza. Não há nada de marcante na sua atuação e ela é facilmente esquecida. Já Butler é canastrão e muitas vezes antipático, mas este longa não foi a pior performace do ator, porque a maneira dele atuar se encaixa com o perfil do papel.

Sem uma boa história ou bons atores, esta é mais uma comédia romântica em um milhão de tantas outras. Não se destaca em nada, nem cumpre a função básica de entreter. 

Angelina Maravilha

31 de Julho/2010 - Por Leonardo Cruz

Para ter uma simples idéia na personagem que Angelina Jolie interpreta nesse novo longa de Phillip Noyce, tente imaginar a junção da Mulher Maravilha, a Srª Incrível, das Meninas Super Poderosas, e um quê do Homem Aranha. Pronto. Acho que é o suficiente pra saber o "poder" dessa mulher.

A história é o super clichê de todos os filmes de ação hollywoodianos. Tem perseguição da policia, tem atentado ao poder político, ah sim! E o obvio atentado ao presidente dos Estados Unidos. Obvio né?

Evelyn Salt é uma mulher que trabalha na CIA (clichê), que após ser indicada como espiã russa, tenta fazer o possível e o impossível para procurar seu marido, que corre um grande risco. Ao longo da hitória descobrimos que Salt é uma mulher de vários lados. Protegendo não seu grupo, mas a si própria.

Uma coisa muito irritante nesse tipo de filme é como uma mulher (tá, tudo bem que ela foi treinada desde criança, mas mesmo assim!) consegue atravessar todo o poder americano, levando apenas um único tiro... sim.. um único. Nisso os policiais são tão frágeis quanto uma criança de seis anos com um revolver na mão.

Respondendo a pergunta do poster em minha visão. Quem é Salt? Apenas uma mulher que quer atuar em Missão Impossível.

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Vestida para matar, Angelina Jolie assume o pápel de Evelyn Salt, que mais parece versão feminina de Jason Bourne.

01 de Agosto/ 2010 - por Enoe Lopes Pontes

    Fica muito claro desde os primeiros minutos de Salt qual é o objetivo do filme. Entreter. Afinal, um filme de ação tem, geralmente, essa finalidade. Mas, há no ar do longa algo que o diferencia dos outros do mesmo gênero, o papel principal (que originalmente, seria para Tom Cruise, que rejeitou a personagem, pois parecia muito com Ethan Hunt, de Missão Impossível), é encarado por uma mulher. Porém, não é qualquer mulher. Jolie traz para Evelyn uma força e um mistério que conquistam o espectador facilmente.

    Salt conta a história de Evelyn, funcionária da CIA que, após ser delata como espiã russa, tem que fugir da polícia para fazer o que precisa fazer. Com isso, o público passa todo o tempo da película com as dúvidas: Quem é Evelyn Salt? Será que ela é boa ou ruim? Porque ela tem momentos tão grandes de frieza e outros de bondade absoluta.

    Apesar do brilho de Angelina, o roteiro não apresenta um conteúdo com muitas novidades e não existem muitas surpresas, o que irrita, às vezes, por se tornar óbvio. Contudo, possui um bom final que promete continuação e quem sabe uma possível salvação para uma história que poderia ter sido boa.

Cameron Diaz e Tom Cruise estrelam essa comédia à moda antiga

01 de Agosto/ 2010 - Por Hilda Lopes Pontes

Depois de nove anos de Vanila Sky, a dupla Diaz e Cruise volta as telonas juntos em Encontro Explosivo. Tom Cruise sempre foi uma das maiores estrelas do cinema hollywoodiano, porém, de uns anos para cá sua carreira deu uma pequena derrapada - devido as cenas que fez, como a do sofá em Oprah, e suas convicções religiosas . Por essas razões, Cruise está desesperado para ter de volta seu status de estrela número um.Esse esforço é claramente visto em Encontro Explosivo, longa em que Cruise interpreta um agente da CIA que foi injustiçado e agora está sendo perseguido. 

Já Diaz, tem feito tantos filmes ruins só para ganhar 20 milhões que muitos quase já  esqueceram quem ela é. Mesmo assim, o trailer chama atenção e atrai o espectador por causa dos dois atores e das expectativas que os dois dão. Além disso, deixa o público curioso do porquê de dois atores de grande porte darem uma chance ao diretor pouco conhecido James Mangold (Johnny e June).
Os dois juntos não possuem muita química, mas o longa funciona,não pelo roteiro rizível ou pelo apelo aos adolescentes, mas pelas escolhas de Mangold. Um bom exemplo são as cenas em que vemos só o ponto de vista da personagem de Diaz que levam o espectador a se sentirem com ela e a mergulharem mais na história. O filme não aposta em grande explosões, como a maioria dos longas atuais, e sim nas clássicas correrias e perseguições. As piadas não são muito boas e geram sorrisos amarelos.
Além disso, toda a tensão que existe entre as duas personagens finda com um beijo sem graça e estranho, o romance parece só uma desculpa para Diaz acompanhar Cruise nas aventuras. Enfim, Encontro Explosivo é um filme insosso, mas que vale a pena conferir.

Predadores

Adrien Brody e Alice Braga estrelam suspense insosso dirigido por Nimród Antal

28 de Julho/ 2010 - Por Hilda Lopes Pontes.

Os filmes da saga Predador possuíam um objetivo claro de alcançar uma determinada escala de sustos e emoção e quem ia ao cinema para assistir esse longa já tinha essa noção. Porém, Predadores, filme dirigido por Nimród Antal (Temos Vagas) prometia, desde o trailer, ser muito mais do que qualquer um dos anteriores.

Então, é aí que o filme peca. Prometeu demais e deixou o espectador sedento por sangue, por momentos tensos. Porém, tudo o que acontece são 100 minutos de enrolação e todos os clichês possíveis que existem em filmes do gênero. As personagens são óbvias e não há preocupação nem de criar uma partitura corporal diferente para cada uma delas.

O plural do título não faz a menor diferença. O máximo que vemos são dois Predadores juntos e só. O público se questiona todo o tempo como é que num planeta de caça, no qual vão todos os Predadores, só sejam visto tão poucos deles. Uma das cenas mais esperadas, a que Royce, personagem vivido por Adrien Brody (King Kong, O Pianista), tem inúmeros lazeres apontados em direção dele, não dura nem 3 segundos.

Uma última chance que o longa teve, foi a participação de Laurence Fishburne (Matrix) que interpreta um homem enlouquecido pelo anos passados no planeta dos Predadores. A expectativa final acaba, pois o ator tem uma personagem que só existe para encher lingüiça, ou seja, é decepcionante e desempolgante.Destaque mesmo só Topher Grace (Homem-Aranha 3, Quarteto Fantástico 2- O Surfista Prateado) no papel do médico Edwin que deixa o espectador um pouco curioso e intrigado

Tudo por um defunto

26 de Julho/2010 -  Por Leonardo Cruz

Diretor de filmes arrasa quarteirão produzidos em terras nacionais como Caramuru - A Invenção do Brasil e O Auto da Compadecida, o brasileiro Guel Arraes mantêm a fórmula da boa comédia em seu novo filme tendo como protagonista Marco Nanini, que em O Bem Amado, convence e diverte o público encarnando o prefeito mal intencionado Odorico Paraguaçu.

A história não é tão desconhecida assim pelo público, que já teve o prazer de acompanhar as desventuras do prefeito corrupto em conjunto com as irmãs Cajazeiras.

Depois de ganhar o título de prefeito da pequena cidade de Sucupira, Odorico Paraguaçu tem a idéia de construir um grande projeto para a cidade, um cemitério. Mas para isso direciona a verba que deveria ser gasta em outras funções para a cidade. Na oposição encontra-se o jornalista Vladmir (interpretado aqui de uma maneira cômica pelo Tonico Pereira), que tenta de todas as maneiras mostrar para a população que o atual prefeito é uma farsa.

Paraguaçu conta o o apoio das irmãs Cajazeiras, Dulcinéia (Andréa Beltrão), Judiceia (Drica Moraes) e Dorotéia (Zezé Polessa) e mantém um flerte com cada uma delas. Mas a mais dedicada a conseguir o coração do prefeito é a irmã mais velha, Dorotéia, que até manteve a virgindade para o bem amado.

Uma das cenas bacanas é a dicussão entre Dulcinéia e Dorotéia, onde a primeira confessa manter um caso com Odorico. Arraes pega esse momento altamente dramático e o transforma em história em quadrinhos, inovador e cômico.

Os encantos japoneses

24 de Julho/ 2010 - Por Leonardo Cruz

É uma pena que muitas pessoas não creditam nenhuma esperança na arte no desenvolvimento de animações japonesas. Pena, esse meros coitados não sabem o que estão perdendo. Pensam que é mais um episódio longo daquelas séries da televisão do Pokemón. Mero engano, tsc tsc.

Hayao Miyazaki mais uma vez nos encanta com sua arte, sua história, seu talento para manter o sentimento focado no filme, e garanto, esse cara não dá folga. Quem viu A Viagem de Chihiro conhece o estilo encantador, e pode acompanhar essa sensação mais uma vez em Ponyo.

Enquanto a pequena Chihiro tentava escapar de um mundo controlado por espíritos, Ponyo nos remete a história de uma pequena criaturinha, que deixa os cuidados de seu pai (um ex-humano que decidiu preservar as espécies marinhas) pela curiosidade de conhecer a superfície. Lá encontra Sosuke, um garoto de cinco anos, apaixonado pelo mar, e que adota Ponyo como peixinho dourado. Ponyo então decide virar uma humana para poder ficar mais perto do garoto, com a satisfação ocorre os problemas, e o amor de Sosuke tem que ser real para q Ponyo continue vivendo na superfície.

Miyazaki ainda abusa das caricaturas pesadas por aqui, o que pode ainda fazer algumas crianças se assustarem durante o longa. Mas nada tão pesado quanto em Chihiro, que tirou sono de muitos por aí.

Tão tão distante de coisas novas

13 de Julho/ 2010 - Por Leonardo Cruz -

Dá pra lembrar com clareza no ano de 2001 em que um tal ogro da Dreamworks arrasou um fracasso dos estúdios Walt Disney, o nome desse pobre coitado foi Atlantis - O Reino Perdido (Atlantis - The Lost Empire), o bicho conquistou pais, crianças e qualquer outro que quisesse se aventurar pelo pântano daquela criatura.

Passam nove anos e vemos que o grande ogro atualmente se arrasta pra manter o sucesso que teve nos tempos de outrora. Tá difícil. Como comentado da última vez com Toy Story, os roteristas visam prolongar a história que já deveria ter seu final no segundo capítulo. A visão, de fato, está no financeiro.

O ogro Shrek nesse longa mantém seu final feliz com família e amigos, e sente uma grande falta do tempo em que era um ogro que todos se assustavam (é eu também sinto falta disso) e durante uma severa discussão durante a celebração de um ano de aniversário de seus três filhos ele briga com Fiona e encontra o malicioso Rumpelstiltskin no caminho.

Rumpelstiltskin oferece a Shrek uma oportunidade de voltar a assustar a todos no país de contos de fadas. Sem saber das consequencias, o ogro assina um contrato e acaba perdendo tudo o que contruiu ao longo dos anos.

Nessa jornada Shrek tenta fazer com que sua trupe o reconheça... Bom, daí dá pra imaginar o resto. Resultado: uma história sem novidades, sem bons diálogos, sem nada.

Infelizmente o ogro mais adorado da última década não está nem mais valendo um papo sobre ele depois do filme. Lastimável.

O Frank Abagnale homossexual

Por Leonardo Cruz

É memorável para quem viu as reviravoltas do personagem de Leonardo DiCaprio em "Prenda-me se for capaz", Frank Abagnale (DiCaprio) utilizava de sua poderosa lábia para conseguir o que bem queria, e toda a polícia armada estava atrás desse mentiroso sagaz. A fórmula é repetida em "O Golpista do Ano" (I Love you Phillip Morris), só que traz apenas uma diferença, os homens mais machistas abandonam a sala de projeção.

Quem é levado apenas pelo título (em minha opinião, muito desnecessário) não imagina encontrar o divertido comediante Jim Carrey (O Máscara) como Steven Russell; o padrão de homem americano, casado, pai de uma menina linda, frequentador assíduo da igreja, declarando-se gay depois de um acidente de carro. O seu namorado Jimmy Kemple (interpretado aqui muito bem pelo brasileiríssimo Rodrigo Santoro) mantém uma vida de luxo com Russel, que aplica os mais descarados golpes para ganhar indenizações, e assim poder satisfazer seus desejos materiais.

Durante um desses golpes, Russel é preso e lá conhece o sensível Phillip Morris (Ewan McGregor) por quem se apaixona e vive um romance dentro da cadeia. Ao sair de lá, Russel cria os mais mirabolantes planos para conseguir subir na vida e esnobar seu nível social.

As diversas situações que Russel tenta driblar com o seu instinto mentiroso (que já é tipo classico personagem na carreira de Carrey) são altamente divertidas, mas isso não é o suficiente pra segurar os marmanjos na poltrona, já que com uma cena de sexo e beijo gay, correm para fora da sala.

Lembrando que assim como a história de Frank Abagnale, "O Golpista do Ano" foi baseado em uma história verídica. E que venham mais charlatões divertidos para a tela grande!

O estilo vai pro Oriente Médio

Por Leonardo Cruz

O que acontece depois de dizer: Eu aceito? É essa a proposta de Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker), pesonagem central da série e agora do segundo filme Sex and the City, que foi lançado depois de dois anos após sua primeira apresentação nas telonas.

O filme começa com o casamento dos melhores amigos gays de Carrie e Charlotte (Kristen Davis), durante o casamento todo pomposo, a cantora Liza Minnelli dá um show dançando o hit da Beyoncé: Singles Ladies. E durante a estadia no hotel na cidade sede do casamento, as quatro mulheres enfrentam problemas vitais. Carrie quer reacender a chama no casamento, Charlotte tem problemas com o estresse com as duas filhas, Miranda (Cyntia Nixon) tem problemas no escritório de advocacia e Samantha (Kim Cattral) está dependendo de hormônios para manter o apetite sexual em alta, além do medo de ficar velha.

Durante um jantar, Samantha recebe a proposta de anunciar em Nova York um hotel de um cliente árabe como sendo um dos melhores na região do Oriente Médio, e a convida para uma reunião no próprio hotel, levando como companhia as três amigas. E durante o período de férias, tentam lidar com os problemas que recentemente as afetam. Além de passar por situações hilariantes.

Não esquecendo que o ponto forte de Sex and the City que são as inumeras roupas cheia de estilo, marcam presença aqui com força. Além de todo o luxo que enchem os olhos como num catálogo de uma loja.

PS: fiquem de olho logo no começo da história, quando Carrie cita como conheceu as outras meninas. Momento que dá corda pra boas risadas. 

Recife Frio

por Enoe Lopes Pontes

Recife Frio, curta dirigido por Kleber Mendonça Filho (Eletrodoméstica), conta como Recife, uma cidade tropical, passou a ser fria. Com uma linguagem de programa de televisão, parece que o espectador assiste a um verdadeiro documentário. Através deste recurso, o curta traz divertidas situações e, ao mesmo tempo, faz uma crítica a realidade do local.

Há no roteiro, um tom de ironia e humor acido que são vistos a cada cena do filme. Destaca-se a sequência em que vemos a casa de uma família de classe média (pai, mãe, filho e a secretária do lar), que mora em um apartamento em frente a praia e, por isso, com a mudança do clima, passou a sofrer muito com o frio.

Por esta razão, o garoto se apropria do quarto da empregada, que é o mais quente e oferece a ela o seu, que possui uma bela vista, mas a troca não compensa por causa da temperatura.Através deste caso, é possível perceber como se estrutura a realidade social do Recife e, por analogia, a do Brasil.

No documentário foram  feitas tomadas com planos abertos, que dão a impressão de que foram elaboradas para mostrar as ruas mais vazias depois da mudança climática, além de explicitar como a baixa temperatura pode causar a frieza nas pessoas, e como o clima pode refletir no comportamento da sociedade.

Com depoimentos que possuem veracidade e uma história criativa, Recife Frio consegue expor os problemas e necessidades do Recife, de maneira dinâmica e sem quebras de ritmo. O filme, que já foi premiado em diversos festivais, como o de Brasília e o Luso Brasileiro de Santa Maria da Feira, chega no dia 28 de maio de 2010, em Salvador no Festival Panorama Coisa de Cinema.

Sem grandes novidades na história, chega aos cinemas Homem de ferro 2
 

Martin Scorsese dirige seu quarto filme estrelado por Leonardo di Caprio numa adaptação do livro homônimo de Dennis Lehane.

 Por Hilda Lopes Pontes

O detetive Teddy Daniels vai ao Shutter Island Ashecliffe Hospital, em Boston, onde funciona um estranho presídio para sociopatas, uma clínica psiquiátrica de segurança máxima. Ele investiga o desaparecimento da paciente Rachel Solando.

Aos poucos, Daniels descobre que a instituição utiliza métodos ilegais de tratamento e enfrenta a resistência dos médicos em dar arquivos sobre o local. Pela sinopse, não se percebe as principais características de originalidade de Ilha do Medo (Shutter Island, 2009).

Primeiramente, a trilha sonora do longa. Com acordes simples, um clima hitchcockiano paira no cinema. Um intenso suspense faz, muitas vezes, o espectador prender a respiração. Quem assiste se envolve tanto que se deixa levar pela história e se sente como Teddy.

Di Caprio, em sua quarta parceria com Scorsese, mostra-se mais uma vez excepcional. Ele conduz, até com mínimas expressões faciais, os sentimentos de sua personagem e dá credibilidade às ações desta. Não tem como não sentir as emoções do agente federal, interpretado por ele.

Para completar, o elenco coadjuvante conta com excelentes atores como Max Von Sydow (O Sétimo Selo), Mark Ruffalo (Colateral), Ben Kingsley (Fatal), Jackie Earle Haley( Pecados Íntimos), Michelle Williams ( O Segredo de Brokeback Moutain) e Emily Mortimer ( A Pantera Cor- de- Rosa).

Acima de tudo, Martin Scorsese (Bons Companheiros, Os Infiltrados) prova a sua maestria e talento com este thriller psicológico de tirar o fôlego. A fotografia e a direção de arte são impecáveis, nos remetendo aos antigos filmes da era de ouro de Hollywood e provando mais uma vez a paixão do diretor por cinema.

TRAILER: www.youtube.com/watch?v=EmVWQlSJrjU

Jeff Bridges brilha neste longa dirigido por Ben Zeller e produzido por Robert Duvall.

Por Hilda Lopes Pontes

 Quando assisti pela primeira o trailer de Coração Louco (Crazy Heart, 2009), imaginei que Jeff Bridges (King Kong, Homem de Ferro) iria concorrer e possivelmente ganhar o Oscar. Já dava para perceber que, pelo perfil de sua personagem e a superação que esta teria em relação ao alcoolismo - tema sempre agraciado pela Academia - ele estava “na frente” de seus concorrentes. Porém, Bridges surpreendeu com sua interpretação visceral e dinâmica, mostrando que, mesmo com uma carreira incrível, repleta de papéis diferente e versáteis, ainda pode se superar.

    A possibilidade de o espectador mergulhar na vida do cantor e compositor de música country Bad Blake (Bridges), que fez muito sucesso, mas, por causa dos hábitos de fumar e beber muito, só faz shows baratos em bares de cidades do interior, é, praticamente, toda. Difícil é acreditar que Blake, um homem que não abre mão de suas convicções e cheio de manias, é uma personagem fictícia.

    Além de Bridges, o filme conta com a desempenho impecável de Maggie Gylenhaal, que concorreu ao Oscar de melhor atriz coadjuvante, e interpreta uma jornalista novata e mãe solteira na qual Blake se apaixona e vive um romance. Na cena em que Bad perde o seu filho, Gylenhaal perde seu usual frescor e jeito doce e se transforma bruscamente, crescendo no filme e conduzindo o espectador a sentir com ela a dor da possível perda de seu filho.

    O elenco ainda tem as presenças de Colin Farrell (sempre fazendo quase o mesmo papel do mesmo jeito), interpretando Tommy o pupilo de Blake e o produtor do longa Robert Duvall como Wayne. O filme ainda conta com uma trilha sonora de músicas country incrível por mergulhar o espectador no mundo do interior dos Estados Unidos e passar as sensações que Blake está sentindo. Entre elas está a canção vencedora do Oscar, “Weary kind”.

TRAILER: www.youtube.com/watch?v=yG7_3eZ9iLs

Uma Noite fora de Série

Uma dupla fora de série 

Por Gabriel Serravalle

             Steve Carell é um dos melhores comediantes dos últimos anos. Além de brilhar nos filmes, sua cara hilária é estampada também na ótima série The Office. Tina Fey é criadora, redatora e atriz de 30 Rock, uma das séries de maior sucesso nos Estados Unidos desde 2006. Agora os dois estão juntos na comédia Uma noite fora de série (Date Night), dirigida por Shawn Levy. 

No filme, Phil (Carell) e Claire (Fey), um típico casal pacato do interior, decidem que é hora de fugir do ranço rotineiro do casamento. Para isso, contratam a babá chantagista Katy (Leighton Meester, a Blair de Gossip Girl) para cuidar dos filhos e partem para uma noitada diferente no centro de Nova York. Mas o que no início parecia uma divertida brincadeira se transformou num verdadeiro inferno. 

A premissa, já utilizada em filmes como Perdidos em Nova York (1999), proporciona cenas bem engraçadas e no mínimo inusitadas, mas que ganham ainda mais força pelo entrosamento de Carell e Fay. O roteiro não ajuda tanto, já que perde a força principalmente em momentos em que o humor cede o espaço para sentimentalismos piegas. Mas o empenho da dupla é o ponto forte do longa e torna qualquer defeito um mero detalhe.

Uma noite fora de série cumpre o seu papel primordial: divertir. E de quebra ainda nos traz um elenco de apoio de respeito. Figuras como Mark Wahlberg, Mark Ruffalo e Ray Liotta estão lá.  Agora é voltar os olhos para as séries cômicas americanas e torcer para que Hollywood nos presenteie novamente com um novo encontro de alto nível.

NOTA: 7,0 

 TRAILER: www.youtube.com/watch?v=IDfyhXzkLuw

A Caixa

... totalmente sem conteúdo.

Por Leonardo Cruz

Há um bom tempo venho aguardando o lançamento do filme A Caixa (The Box, 2009) do diretor Richard Kelly, afinal o trailer era super convidativo, tinha a Cameron Diaz por quem tenho admiração, e trazia uma história bacana. Me enganei.

O longa traz uma história sem pé nem cabeça, efeitos especiais dignos dos Power Rangers da Tv Globinho e fotografia metódica. Não acreditam? A prova está nos cinemas.

Norma Lewis (Cameron Diaz) é uma professora que recentemente recebe más notícias no seu emprego, assim como seu marido Arthur (James Marsden) que trabalha na NASA como engenheiro. Na mesma noite uma encomenda é deixada na porta do casal, uma caixa com um botão. No dia seguinte um homem estranho e desfigurado visita Norma e lhe dá a seguinte proposta: se ela apertar o botão da caixa, alguém em algum lugar do mundo irá morrer, mas ela ganhará uma quantia milionária. Na dúvida Norma consulta seu marido sobre a proposta, ambos decidem apertar o botão. Como dizia o acordo, alguém morreu e ela ganhou a grana.Depois desse acontecimento a história toma um rumo sem sentido, de corporações secretas e investigativa, magia e etc.

A câmera tem seu lugar posicionado no centro quase sempre, o filme é tão simétrico que incomoda e fica perceptível. Acredite, incomoda mesmo. E nos efeitos especiais o filme comete suicídio.

Não acreditem no trailer bom de filme ruim, ou a caixa será mais apertada do que você imagina.

TRAILER: www.youtube.com/watch?v=9PhfIuP7Sh8

 Acabo de assistir ao filme O Mensageiro (The Messenger, 2009). Confesso que fiquei um pouco receoso antes de assistir a película, pois eu tenho um enorme preconceito a respeito de filmes sobre guerra. Já tive algumas recompensas por deixar de lado essa birra, como por exemplo, Apocalipse Now (idem, 1979), e acabo de ter outra há alguns minutos atrás.

Diferente de tudo que já vi sobre o tema, o mensageiro se diferencia por ser um filme que fala sobre uma coisa nunca antes explorada, a rotina dos soldados que trabalham na área de notificação a família das vitimas da guerra.

Antes de deixar minhas impressões, vamos a historia do filme.

Will Montgmorey (Ben Foster) é tido como um herói americano. Acabou de voltar da guerra do Iraque antes do final do seu tempo de serviço, pois acabou se ferindo em batalha. Graças a isso terá que exercer seu trabalho ao país, notificando as famílias das vitimas na guerra sobre suas mortes. Para acompanhar o serviço, o seu parceiro Tony Stone (Woody Harrelson) o ajudará mostrando as regras do trabalho e ensinando tudo que ele não deve fazer. Ao longo dos dias, Will perceberá que o trabalho apesar de parecer fácil não é, e que não é nada prazeroso presenciar o sofrimento dos pais que perderam filhos em guerra e mulheres que perderam seus maridos. Uma amizade inesperada acaba surgindo entre ele e Tony, que é o seu superior nessa missão. Em um dos dias de trabalho, os dois vão notificar o falecimento do marido de Olivia Pitterson (Samantha Morton), que inicialmente parece não ter ficado muito abalada com a notícia, despertando assim a curiosidade dos dois soldados. Tony acredita que ela já está com outro homem, e Will acaba por quebrar uma das regras mais importantes do seu trabalho, ele acaba se apaixonado pela viúva do soldado morto.

Um dos grandes méritos do filme é justamente por falar da guerra sem envolver batalhas, sangue, bombas, armas, destruição e violência. O que o filme mostra é outro tipo de destruição, a emocional, que pode ser tão devastadora quanto uma bomba num campo de batalha. Ponto para ele, pois antes de ‘’O Mensageiro’’ tínhamos acesso a algumas pequenas aparições desses soldados que são designados a contar as famílias sobre as mortes dos seus parceiros, porém nunca poderíamos imaginar o quão difícil é a realização desse trabalho. No filme podemos acompanhar o dia a dia dessas pessoas que antes só víamos em pequenas pontas e sem muita importância. O filme conta com atuações de grandes astros do cinema e que mereciam mais destaque. Samantha Morgan está nos presenteando com uma de suas melhores atuações, que apesar de calma, consegue passar a sua dor e o seu receio de forma que só uma atriz competente conseguiria. Sobre Woody Harrelson e Will Montgmorey eu nada tenho a dizer além de que os dois estão perfeitos e ajudam muito para que o filme se mantenha no mesmo nível do inicio ao fim. Interessante também é que o diretor Oren Moverman nos mostra que os danos psicológicos aos soldados não são somente conseqüência da guerra em si, e que aqueles que trabalham notificando a família dos mortos acabam por se envolver emocionalmente, ajudando assim a piorar o seu estado emocional já bagunçado pela guerra.

Resumindo, “O Mensageiro” é um filme que foge dos clichês que rondam os filmes que falam sobre guerra, e que até mesmo as sub-tramas conseguem se manter longe dos mesmos, fato é, que a personagem de Samantha Morgan não é nenhuma mulher linda, gostosa e sensual, é uma pessoa completamente normal, acima do peso e ainda por cima tomada pelo luto, e isso não impede do soldado se apaixonar por ela.

É um filme que deve ser visto e apreciado, pois é diferente, e em tempos como os de hoje, assistir a algo diferente está cada vez mais difícil.

Duas indicações ao Oscar de Melhor ator coadjuvante (Woody Harrelson) e Melhor Roteiro Original

O filme também foi vencedor do Urso de Prata de Melhor Roteiro e Prêmio da Paz em Berlim 2009, além de ser indicado à Melhor Filme.

Toy Story - Relançamento em 3D

Ao infinito e além!

Por Leonardo Cruz

Foi com intensa felicidade que recebi a notícia que Toy Story 1 e Toy Story 2 seriam relançados no cinema, e dessa vez, eles estariam em 3D. Lembro que no ano de 1996 ganhei meu primeiro filme, o começo de minha mina de ouro, e esse meu pequeno bloco dourado, era uma VHS de Toy Story 1, e ao entrar numa sala de projeção, e assumir o papel do garoto de 6 anos outra vez, foi incrível, sabia as falas de cor, sabia as canções de cor; aquele era meu filme!

Mas ao olhar para o lado, ví que várias pessoas assumiam o papel de crianças, eles também sabiam as falas e eu as ouvia junto ao som do filme, também sabiam as músicas, eu estava com meus semelhantes, aquelas pessoas na qual  o boneco Woody e Buzz fizeram parte da infância. Momento nostalgia.

Primeiramente, saibam que não serão muitos os efeitos que irão pular em sua direção no cinema, afinal Toy Story quando foi produzido (em 1995) não previa que seria exibido em três dimensões. Então os efeitos mais "pesados" são minoria. Mas é extremamente válido acompanhar as aventuras do cawboy ciumento Woody e o boneco galático Buzz Lightear.

Pra quem não conhece, Woody sem foi o brinquedo favorito do garoto Andy, e na data do aniversário ele recebe um dos recentes brinquedos que todos adoram, o boneco Buzz Lightear, que oferece vários comandos de ação. Enciumado com o novo brinquedo, Woody começa a se irritar e acidentalmente empurra pela janela o Buzz, nisso, parte em busca do herói galatico.

Assistam, lembrem, e vejam que internamente ainda há voz para gritar bem alto: AO INFINITO E ALÉM!